Fundamentación
| El Bachillerato de Bellas Artes “Prof. Francisco A. De Santo” de la Universidad Nacional de La Plata es un establecimiento de educación secundaria especializado en arte. Su propuesta educativa consiste en articular los conocimientos de las ciencias humanas y naturales con los saberes específicos de los lenguajes artísticos de la música y de las artes visuales. A partir del año 2012 se implementó un nuevo diseño curricular a partir de dos conceptos estructurantes: el desarrollo de la competencia comunicativa, y el desarrollo de la subjetividad y la intersubjetividad. Como parte de las modificaciones impulsadas por la actual gestión, para logro de las metas propuestas, aparecen espacios curriculares nuevos, diseñados a partir del espíritu participativo y democrático que promueve la participación plural y el compromiso de los distintos actores en el diseño e implementación de la política académica. De esta manera, surgió el Espacio de Integración artística, asignatura cuatrimestral para primero, segundo y tercer año de la Educación Secundaria Básica, cargos cubiertos a través de la convocatoria a la presentación de proyectos y posterior selección interna. El dictado de cada una de las asignaturas que componen el Espacio está a cargo de profesores/as de diferentes lenguajes artísticos. En el Proyecto académico y de gestión 2018-2022, se expresa claramente la tesitura de esta época, potenciadora y posibilitadora de nuevos pensamientos y prácticas: “…Las configuraciones de la escuela hoy, donde la existencia social ya no se vincula tanto a la existencia institucional como a la existencia conectiva, constituyen una textura sensible distinta que debe repensarse. Por otra parte, la virtualidad trae como consecuencia transformaciones sociales profundas que generan nuevas formas y constituciones subjetivas que habitan el mundo. La comunidad actual ya no es una comunidad de sentido sino una comunidad virtual abierta y expansiva. Se habla de cuerpos afectados por la destrucción de la experiencia y el ahorro de presencia. El poder de Io virtual anestesia el sentir. Ante estas nuevas realidades, nos preguntamos: ¿Cómo recuperar la potencia de la experiencia en la escuela? ¿Cuáles son las operaciones subjetivas que generan presencia o existencia? (Marco teórico Proyecto de gestión 2018-2022: 9) El concepto de integración, central en la creación de esta asignatura, es definido de la siguiente manera en el Marco teórico del Plan 2012: “…como un campo de conocimientos artísticos en donde se pone en valor el aporte de la disciplina específica en la que se forman los alumnos –musical o visual- al servicio producción, percepción y reflexión. También implica tener la posibilidad de conocer y experimentar otros lenguajes que permitan repensar tanto las posibilidades como los límites que las disciplinas tienen cuando se desarrollan por separado y cuando convergen en otro.” (Marco teórico del Plan 2012: 7) En consecuencia, este espacio aborda además del lenguaje visual o musical, prácticas artísticas como la danza, el cine o el teatro que tienen sus propios recursos creativos, estrategias procedimentales, códigos de representación. De esta manera, los bordes entre los lenguajes abordados en el Bachillerato se vuelven imprecisos en tanto ni las artes musicales ni las artes visuales pueden reconocerse por sí mismas sino integradas en la obra total, zona de intersección, de colaboración, de socialización, donde las individualidades y especificidades confluyen en una producción artística grupal, atendiendo a los desplazamientos y convergencias que han experimentado los lenguajes artísticos en las prácticas contemporáneas. Aportes desde la teoría del arte Sin intentar penetrar en esta fundamentación, en las sombras de la estética filosófica, apelamos a Gerard Genette, quien en los dos volúmenes que componen su obra La obra del arte (1996) y La obra del arte II. La relación estética (1997), se separa de la apretada taxonomía conceptual y de esa pluralidad, aparentemente irreconciliable, que las artes se declaran entre sí. Es sabido que el objetivo del primer volumen de su obra es el de analizar los diferentes modos de existencia que las obras de arte tienen de presentársenos. El autor se sitúa en la tradición de apostar por la unidad del arte como ejercicio de liberación ante el ostracismo que en muchas ocasiones los lenguajes artísticos practican sobre sus obras. El desafío de Genette es disfrutar de las artes conjugadas en plural, como para señalar aquello, que instituyéndolas como tal, las une a todas por igual (Genette1997: 7-8). Este concepto estable un diálogo con lo señalado en la Fundamentación del Plan 2012 cuando afirma que: La especificidad de cada campo no puede dejar de pensarse en su reescritura histórica ni por fuera de una perspectiva relacional: la música (lenguaje artístico desde la antigüedad) es música porque no es pintura, y el cine (lenguaje artístico moderno) es cine porque no es sólo música y fotografía. (Marco teórico Plan 2012: 7) Retomamos estas palabras que enriquecerán el marco teórico de esta fundamentación. A partir de las vanguardias se produjo la deconstrucción de los lenguajes artísticos y su desplazamiento. Las artes presentan territorios de frontera lábiles, donde los cruces, las transposiciones, las contaminaciones generan constantemente nuevos artefactos o productos artísticos. En el espacio artístico contemporáneo, la idea de integración implica la articulación de distintas disciplinas del campo estético, en función de obtener un objeto nuevo, no clasificable desde un punto de vista estrictamente canónico. Las necesidades de un mundo cada vez más interconectado, se manifiestan a través de una producción integradora, de obras que requieren de un espectador activo, participativo, y que acepte el desafío de su tiempo. Y con esto tal vez podamos entrar a trabajar la condición de la obra de arte contemporánea, que tiene un momento inaugural con la Fuente de Duchamp, luego con las Cajas Brillo de Warhol y posteriormente con las distintas manifestaciones artísticas de los setenta, que se engloban como “arte conceptual”, en las que existe la intención de ampliar el sentido del arte y vincularlo con la vida, y que atentan contra la materialización tradicional de la obra de arte. El arte actual no está condicionado por “el cerco de la historia” en palabras de Arthur Danto (1997), es un arte pluralista que está abierto a todas las posibilidades. Los distintos medios y lenguajes tienen igual validez. A la diversidad de medios le corresponde una variedad de lenguajes y actitudes que resultan difíciles de englobar bajo un mismo rótulo, es decir bajo una “narrativa maestra”. Además, tampoco es posible inscribirlas en una dinámica de desarrollo; es decir, en el momento actual existe una práctica artística en la que todo es posible. Por otra parte, Simón Marchan Fiz (1994) plantea un desplazamiento del objeto tradicional hacia la idea. La obra tiene un carácter “antiobjetual”, importando en ella más el proceso formativo que el resultado físicomaterial. Al definir el arte contemporáneo metodológicamente como “de autoreflexión”, de “autoconocimiento”. El antiobjetualismo apunta a la carencia de una “realidad estética formal”, en el sentido tradicional, en el que la obra es el objeto material; es decir que la obra va más allá de lo físico pero necesita de lo material para presentarse como tal ante el público. La actividad del espectador se instaura en el proceso productivo de creación-recepción (reciprocidad comunicativa) Otras características del arte contemporáneo son las posibilidades transpositivas. Steimberg (1993) caracteriza a la transposición como pasaje de una obra de un soporte a otro, de un lenguaje a otro, de un medio a otro. este espacio aborda además del lenguaje visual o musical, prácticas artísticas como la danza, el cine o el teatro que tienen sus propios recursos creativos, estrategias procedimentales, códigos de representación. De esta manera, los bordes entre los lenguajes abordados en el Bachillerato se vuelven imprecisos en tanto ni las artes musicales ni las artes visuales pueden reconocerse por sí mismas sino integradas en la obra total, zona de intersección, de colaboración, de socialización, donde las individualidades y especificidades confluyen en una producción artística grupal, atendiendo a los desplazamientos y convergencias que han experimentado los lenguajes artísticos en las prácticas contemporáneas. . Pero no hay dudas, de que es en el siglo XX, mediante la aparición en el medio social del cine, de la radio, de la televisión, pero fundamentalmente a partir de la irrupción de los medios digitales, donde se despliegan nuevos dispositivos tecnológicos que favorecen y facilitan la integración de ricas y variadas formas de representación estética con un fuerte carácter interactivo. Desde las últimas décadas del siglo recientemente pasado y hasta el presente, las integraciones de lenguajes artísticos se manifiestan de modos diversos, explorando, a su vez y re-semantizando la funcionalidad de los espacios tradicionales de recepción del objeto estético. Así, sólo como ejemplo, podría citarse el hecho de que en la contemporaneidad, se resignifica la función del museo de artes visuales, transformado muy frecuentemente en espacio de proyección del “cine de exposición” o, como hábitat de diversas formas de instalaciones interactivas. También la sala teatral, que, desarticulada ya a partir de las experiencias renovadoras de los vanguardistas de comienzos de siglo XX, se transforma en el espacio de la “performance”, representación no necesariamente narrativa, que amplifica el sentido de la experiencia artística a una Praxis sensible. El recital de música, a su vez, se convierte en disparador de todo el trabajo que lleva a convertir a las “artes del espectáculo” en un nuevo objeto de atención y de estudio. En conclusión, las necesidades de un mundo cada vez más interconectado se manifiestan a través de una producción integradora. Este proyecto responde a la necesidad educativa de formar estudiantes capaces de responder creativa y reflexivamente a las tendencias artísticas contemporáneas. La materia que nos ocupa se constituirá entonces, en un espacio para explorar y experimentar este tipo de integraciones, hibridaciones y convergencias. Los lenguajes artísticos que se tomarán como plataforma serán: el audiovisual en todas sus opciones visuales y sonoras, el multimedial, el corporal y el teatral performativo. Será una materia con fuerte carácter productivo-experimental, donde los/las estudiantes tendrán la posibilidad de concretar proyectos de integración, a partir de un encuentro de carácter vivencial pero también reflexivo, con las posibilidades articulatorias que cada lenguaje elegido manifiesta, como a su vez con todos ellos interactuando. Implicará una búsqueda tanto personal como grupal de las diferentes opciones creativas que dichos lenguajes proporcionan, siempre desde un acercamiento concreto, activo y participativo a las opciones básicas expresivas de los mismos que se considera pertinente utilizar, dada la edad y las necesidades curriculares. ¿Por qué lo performático? Algunas buenas razones: Proponemos el discurso de la performance como un lenguaje artístico dotado de experiencias que hibridan, mixturan, deconstruyen los signos de otros lenguajes artísticos, la capacidad de producir conocimiento y alcanzar competencias complejas vinculadas a la percepción, la representación y la comunicación, centralizando la importancia del cuerpo como dispositivo necesario de comunicación (del deseo, de la presencia y la ausencia, de lo inestable, de lo alterado, de lo reconocible y lo extrañado). Por su parte, el teatro ha incorporado los aportes provenientes del campo de la tecnología. Con frecuencia incorpora filmaciones y actuaciones mediadas por la cámara. Este recurso lo ha aproximado al lenguaje cinematográfico, un cruce muy interesante para los/las estudiantes que transiten esta asignatura. El programa performático revaloriza el cuerpo y su acervo cognitivo- sensible. El cuerpo del/la performer es el soporte donde se conectan los diferentes lenguajes que conforman su praxis. Se trata de las cuatro funciones señaladas por Ubersfeld (2004): a) contar una historia (fábula), b) indicar las condiciones imaginarias de enunciación, c) asumir un discurso de ficción, d) mostrar una performancia escénica. De esta manera se comprende la aproximación del teatro a la danza, una constante en la historia de la humanidad hasta nuestros días. En la actualidad del actor y actriz pasa del gesto imperceptible a la espectacularidad acrobática. El trabajo corporal genera en el/la estudiante confianza y afirmación en el medio escolar y social. Ayuda a superar las inhibiciones y los miedos. |
Abordaje de la ESI
| A través de las actividades y líneas de acción propuestas, se procura poner en tensión las representaciones estereotipadas de roles asignados históricamente a varones y mujeres; en tal sentido, se habilitan protocolos de lectura que conducen a la reflexión sobre los textos, atentos a la descalificación de las mujeres y la dominación masculina; asimismo, se contemplan producciones literarias de escritoras mujeres, lo cual desestabiliza la hegemonía masculina. |
Objetivos
| Estimular la producción y el análisis de producciones donde confluyan diferentes lenguajes artísticos. Proponer actividades que obliguen a repensar las fronteras de los diferentes lenguajes artísticos. Descubrir mestizajes e hibridaciones en las prácticas artísticas contemporáneas. Generar la reflexión acerca de la especificidad del lenguaje artístico elegido por el/la estudiante, de cuáles son sus límites y las zonas de contacto con otros discursos. Integrar las diferentes capacidades artísticas en un proyecto común donde se genere la transferencia de conocimientos. Reflexionar sobre las representaciones y estereotipos sexo-genéricos en las prácticas teatrales. Destruir la antinomia nosotros y los otros. |
Contenidos
| UNIDAD 1: Introducción al lenguaje de las performances. Diferentes tipos de textos como soporte para la práctica espectacular y espectatorial Producción: Ejercicios de improvisación. Trabajo en grupos reducidos. Socialización de las producciones. UNIDAD 2: El cuerpo como instrumento de expresión vocal, gestual y de movimiento. El cuerpo, la imagen corporal, el cuerpo como superficie, como contorno, como medio o como fin expresivo. La producción del cuerpo en movimiento en diversos entornos físicos y virtuales. El cuerpo como instrumento de expresión vocal, gestual y de movimiento. Del rol al personaje. Elementos visuales y musicales generados por el cuerpo del actor/actriz. Producción: Ejercicios de expresividad vocal, gestual y de movimiento. Proyectos de construcción de situaciones dramáticas en un contexto determinado. Elaboración de un guión. Proyectos grupales. UNIDAD 3: El espacio audiovisual, espacios no convencionales. Tipos de planos. Lo visual y lo auditivo en la representación. La noción de espacio y tiempo en la imagen audiovisual. Los modos contemporáneos de la experimentación con la imagen en movimiento. Herramientas formales y narrativas. Producción: Ejercicios individuales y grupales en diversos formatos que vinculen el cuerpo, su entorno y la forma audiovisual. Proyectos de construcción de pequeñas producciones que vinculen los contenidos abordados que puedan exponerse en diversos formatos digitales. Claves teóricas: El espacio de la performance. Recursos de expresión múltiple. Principios estéticos de la puesta audiovisual. Producción última: creación de un hecho artístico en el que confluyan diferentes lenguajes .Muestra final. Trabajo grupal. |
Metodología
| Desde lo formativo, el trabajo integrado -en grupos “interdisciplinarios” (cruce de disciplinas, complementación) y a la vez “transdisciplinarios” (esfera mayor, trascendencia de la suma de esas disciplinas que crean un nuevo lenguaje)- promoverá en las/os estudiantes la consolidación de su subjetividad e identidad trabajada con el/la otro/a. Esta modalidad comprende, también, a nuestro equipo docente, dado que provenimos de distintos lenguajes artísticos y debemos dialogar e interactuar para llevar adelante la propuesta. En las páginas anteriores hemos señalado el carácter tentativo, provisorio y abierto del proyecto. Es una materia de “puertas abiertas” para las iniciativas de los/las estudiantes. La dinámica de taller de producción crea condiciones favorables para el desarrollo de actividades y por proyectos grupales, que en torno a un núcleo o temática, permite el abordaje desde distintas perspectivas, estableciendo una red de interrelaciones entre los diferentes lenguajes artísticos. Es así que también puede accederse a las unidades de contenidos , sin un orden taxativo, puesto que todos los ejes conceptuales, se presentan de modo inclusivo y complementario, en cada proceso de producción. Como se trata de una materia cuatrimestral, será necesario proponer actividades a corto plazo. Cada clase constará de tres momentos: al comienzo se propondrá una actividad, seguida de un breve periodo de explicación teórica; luego, los/las estudiantes se dividirán en grupos y tendrán libertad de organización interna; cumplido el plazo establecido, el curso se reunirá y cada equipo socializará sus producciones; en los últimos minutos se reflexionará sobre los logros y dificultades. En la medida de lo posible los responsables de cada producción serán espectadores/as de las / de los demás. La terna docente, acompañará a los/las estudiantes a lo largo de todo el desarrollo de la clase . En concordancia con lo establecido anteriormente, la materia se sostiene en perspectivas pedagógicas inclusivas que permitan el desarrollo de las subjetividades y el acompañamiento sostenido de las trayectorias de cada estudiante a lo largo del cuatrimestre. |
Evaluación
| Las producciones de los/las estudiantes adquieren visibilidad a través de muestras finales con público abierto, que trascienden los límites del aula, que generan el desarrollo de la competencia comunicativa, y que fortalecen, en la creación, la subjetividad de los/las estudiantes; pero que además construyen lazos intersubjetivos entre los que participan de la creación grupal y entre los que miran y escuchan en un espacio compartido. Es de destacar que el acento no está puesto en el nivel artístico del producto sino en la dinámica generada a lo largo de las clases que garantice a cada estudiante mejorar actitudes en su relación con los demás, aportando sus capacidades individuales en el lenguaje visual y musical, optimizando su expresión tanto verbal como corporal. En consecuencia, la evaluación contemplará todo el proceso de aprendizaje y no sólo el resultado concreto de las acciones que realicen. Este proceso involucra los avances específicos en el lenguaje artístico, el desarrollo conceptual (la capacidad de entender las consignas de trabajo y el reconocimiento de los elementos involucrados en las mismas) y la actitud frente al trabajo colaborativo. Finalmente, si bien el proyecto cobra sentido y visibilidad en la representación ante un público, es decir una muestra final, resulta importante destacar que en la acreditación de la materia, además de los aspectos institucionales comunes a las asignaturas cuatrimestrales, se considerará relevante en el momento de la aprobación el proceso de búsqueda, de experimentación y de concreción que conducen a la puesta artística de cada estudiante. Nota: en caso de los/las estudiantes que rindan la materia en carácter de “libre” por inasistencias, además de rendir examen escrito y oral, deberán resolver un trabajo pautado por su docente y presentarlo en la mesa examinadora. |
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