Fundamentación
| El Espacio de Prácticas Profesionalizantes del 7mo año del Bachillerato de Bellas Artes se encuentra en la etapa final de la formación académica y busca consolidar en los estudiantes la integración de saberes, habilidades y actitudes necesarias para su inserción en el mundo artístico y cultural. Este espacio se fundamenta en la convicción de que la formación artística debe ser un proceso activo, participativo y contextualizado, que promueva la autonomía, la creatividad, la responsabilidad social y la capacidad de trabajo en equipo. Desde sus inicios, el programa promueve la participación activa de los estudiantes en la construcción de su trayectoria formativa, fomentando la toma de decisiones, la gestión de proyectos y la interacción con la comunidad. La articulación entre las distintas áreas (Improvisación, Música Popular y Música de Cámara) permite desarrollar un perfil técnico y artístico integral, que responde a las demandas del contexto sociocultural actual y a las expectativas del mundo laboral y académico. Este espacio se enmarca en las directrices de la Ley Nacional 26.058 de Educación Técnico Profesional, que impulsa procesos sistemáticos de formación que articulan estudio, trabajo, investigación y producción, promoviendo trayectorias de profesionalización y ciudadanía activa. La certificación de “Técnico/a en producción en artes musicales y promoción artístico-cultural” que otorga el Bachillerato, visibiliza las capacidades de los estudiantes como productores, gestores y promotores culturales, fortaleciendo su identidad y su compromiso social. El proceso de prácticas profesionalizantes busca, además, fortalecer vínculos con la comunidad, promover la inclusión social y potenciar la creatividad y la innovación en la producción artística-musical. La metodología de taller, basada en el “aprender haciendo”, favorece la participación activa, la reflexión crítica y la colaboración, elementos esenciales para la formación de profesionales comprometidos y capaces de afrontar los desafíos del campo artístico. |
Abordaje de la ESI
| El enfoque de la Educación Sexual Integral (ESI) promueve un espacio inclusivo y respetuoso, centrado en el diálogo constante con las necesidades y particularidades de los estudiantes y su contexto. Se busca garantizar la equidad, la diversidad y la igualdad de oportunidades, sin distinción de género, edad, raza o creencias. Se prioriza el desarrollo de aulas inclusivas y de calidad, que fomenten la autoestima, la construcción de la identidad y el respeto por uno mismo y por los demás. Además, se valoran las producciones propias y las de los compañeros, así como las emociones y afectos involucrados en las relaciones humanas, rechazando todo tipo de prejuicio o discriminación. También se promueve el reconocimiento del cuerpo como medio de expresión y comunicación. |
Objetivos
| 1- Fomentar la participación activa de los estudiantes en prácticas profesionales que reflejen las actividades del ámbito laboral en artes musicales y promoción cultural. 2- Visibilizar y potenciar las capacidades de los estudiantes como productores, promotores, gestores y evaluadores de actividades y proyectos culturales. 3- Contribuir a la formación integral del estudiante, facilitando su transición hacia el mundo laboral y los estudios superiores mediante la integración de conocimientos y experiencias prácticas. 4- Promover la interacción y colaboración entre los estudiantes de diferentes niveles y etapas de formación, fortaleciendo su aprendizaje y vínculo con la comunidad. 5- Impulsar acciones de gestión, difusión, producción y organización de eventos culturales, promoviendo la participación social y comunitaria. Objetivos generales de cada asignatura Improvisación La asignatura Improvisación dentro del espacio de las Prácticas Profesionalizantes tiene como objetivo principal que los estudiantes desarrollen la capacidad de crear y expresar ideas musicales en tiempo real, poniendo en práctica conocimientos teóricos y técnicos adquiridos previamente. La improvisación fomenta la creatividad, la espontaneidad y la confianza en la interpretación, además de promover la comprensión profunda del discurso musical y su estructura. Aspectos clave: Desarrollo de la creatividad: Los estudiantes aprenderán a construir melodías y frases musicales en el momento, utilizando escalas, secuencias armónicas y recursos rítmicos. Técnicas de improvisación: Se abordarán recursos melódicos, armónicos y rítmicos, incluyendo el uso de escalas pentatónicas, modos griegos, blues y recursos de ornamentación. Aplicación práctica: La improvisación se practicará sobre secuencias armónicas sencillas y progresiones comunes, fomentando la interpretación en diferentes estilos y géneros. Trabajo en grupo: Se promoverá la improvisación en conjunto, desarrollando habilidades de escucha activa, interacción y diálogo musical entre los estudiantes. Valor social y artístico: La improvisación se entiende como una herramienta para la comunicación artística y la expresión personal, promoviendo la autonomía y la confianza en la creación musical espontánea. Música Popular Esta asignatura dentro del espacio de las Prácticas Profesionalizantes busca que los estudiantes comprendan, interpreten y produzcan música en géneros populares, promoviendo la autonomía creativa y la gestión de proyectos musicales. Se trabaja desde un enfoque constructivista, fomentando la reflexión, la innovación y la participación activa en la producción artística. Aspectos clave: Repertorio y géneros: Se abordarán géneros como tango, zamba, rock, bossa nova, vals criollo, entre otros, con énfasis en su historia, estructura y características estilísticas. Procesos creativos: Los estudiantes diseñarán y planificarán proyectos musicales, incluyendo la selección de repertorio, arreglos, interpretación y puesta en escena. Técnicas de interpretación: Se fortalecerán habilidades interpretativas, técnicas instrumentales y vocales, así como recursos de arreglos y orquestación. Producción y gestión: Se promoverá la organización de shows, grabaciones, difusión y promoción de eventos musicales, vinculando la práctica artística con la gestión cultural. Trabajo colaborativo: La producción en grupo, la concertación y la concertación grupal son fundamentales para potenciar la creatividad y la cohesión del equipo. Música de Cámara La asignatura de Música de Cámara dentro del espacio de las Prácticas Profesionalizantes se centra en la interpretación en conjuntos pequeños, promoviendo la colaboración, la precisión técnica y la comprensión del discurso musical en contextos de diálogo y concertación. Es fundamental para la formación instrumental y para el desarrollo de habilidades de interpretación en grupo, además de potenciar la sensibilidad artística y la capacidad de análisis musical. Aspectos Claves Participación activa y compromiso en las actividades grupales. Dominio técnico en la ejecución instrumental y en la interpretación musical. Capacidad de trabajo en equipo, colaboración y respeto en las formaciones camerísticas. Habilidad para escuchar, analizar y comprender los elementos musicales (equilibrio, fraseo, dinámicas, jerarquías). Autonomía en la toma de decisiones y en la organización de ensayos y presentaciones. Actitud y presencia escénica durante las actuaciones en vivo. Integración y vinculación con otras disciplinas relacionadas. |
Contenidos
| 1- Planificación, diseño e implementación de proyectos culturales diversos, incluyendo actividades en espacios públicos y privados, y eventos en espacios alternativos. 2- Investigación y relevamiento de espacios socio-culturales, como teatros, centros culturales, salas de concierto, y actividades de extensión institucional. 3- Organización y gestión de actividades didáctico-musicales con fines sociales e inclusivos, en comunidades con distintas realidades socioculturales. 4- Programación y curaduría musical adaptada a las demandas de diferentes públicos y espacios, incluyendo el estudio y análisis de audiencias. 5- Promoción, difusión y divulgación de eventos culturales, en colaboración con medios de comunicación. 6- Creación y gestión de actividades autogestionadas dentro de la institución, incluyendo muestras, talleres y actividades de extensión. 7- Participación en espacios de producción y formación del colegio, promoviendo actividades como organización de muestras, talleres y encuentros musicales. 8- Desarrollo de actividades en el Espacio Arte, vinculando diferentes niveles de formación y promoviendo la integración y experimentación artística. Contenidos específicos en cada asignatura Improvisación 1) Improvisación sobre secuencias funcionales del sistema tonal: – Aplicación de recursos de improvisación melódica sobre progresiones armónicas funcionales básicas, tanto en modo mayor como menor: I – V; I – IV; II – V; I – VI – II – V – Uso de estas secuencias como base para la improvisación sobre canciones populares de diversos géneros (rock, pop, folclore, tango, canción urbana, etc.). – Comprensión de la relación entre escala y acorde, y su aplicación en la construcción de líneas melódicas improvisadas. 2) Improvisación en repertorios estilísticos específicos -Trabajo sobre progresiones y formas armónicas características de géneros populares e internacionales: 1) Jazz Standards: II-V-I, turnarounds, dominantes secundarios, modulación. 2) Bossa Nova: progresiones con acordes con extensiones y modulaciones suaves. 3) Funk: trabajo sobre grooves, un solo acorde, vamping, cromatismos y juego rítmico. – Aplicación de escalas específicas según el estilo: a) Escalas pentatónicas (mayor y menor). b) Escala de blues (con blue notes). c) Modos griegos (dórico, frigio, lidio, mixolidio, etc.), en función de la tonalidad modal de la pieza. 3) Lenguaje armónico aplicado – Comprensión y uso fluido del cifrado americano básico (letras, símbolos de alteración, extensiones y funciones). – Reconocimiento y aplicación práctica de acordes: acordes de séptima mayor, dominante, menor séptima, semidisminuidos, disminuidos. – Identificación de las funciones tonales (tónica, subdominante, dominante) y su resolución en el contexto de la improvisación. 4) Forma musical e improvisación estructurada – Reconocimiento de estructuras formales básicas en canciones e instrumentales: Forma AABA, AAB, AB, entre otras. – Noción de “coro” como unidad formal en el jazz y géneros afines, en la que se desarrolla la improvisación sobre una estructura cíclica. – Comprensión del rol de la improvisación dentro del ciclo formal (solo, head, trading fours, etc.). 5) Conocimiento del sistema tonal y conducción de voces – Fundamentos del funcionamiento del sistema tonal: – Relaciones funcionales entre acordes. – Enlaces armónicos básicos y prolongaciones tonales. – Conducción de voces aplicada a la improvisación: a) Movimiento melódico suave entre notas guía (terceras y séptimas). b) Resolución de tensiones a través del uso consciente del cromatismo, anticipaciones y retardos. Música Popular 1) Melodía, Armonía y Ritmo – Elaboración melódica: creación y desarrollo de motivos melódicos, diseño de contracantos, construcción de variaciones temáticas. – Tipos de bajos: líneas de bajo tradicionales (walking, ostinato, bajo tumbado, etc.) y su función estructural y expresiva en distintos estilos. – Armonía funcional y extendida: a) Acordes triádicos y cuatríadas (séptimas, novenas, oncenas, trecenas). b) Inversiones y voicings utilizados en distintos géneros. Progresiones armónicas típicas (blues, II-V-I, ciclo de cuartas, etc.). c) Recursos de modulación y sustituciones armónicas (sustitución tritonal, intercambio modal, etc.). d) Lectura y escritura de cifrado: comprensión de sistemas de cifrado americano y latino (europeo), uso funcional del cifrado en arreglos y acompañamientos. – Patrones rítmicos y variantes estilísticas: a) Identificación y ejecución de grooves característicos de diversos géneros (funk, reggae, rock, candombe, bossa nova, etc.). b) Uso de ostinatos rítmicos y polirritmias. c) Estudio de acentuaciones y síncopas según el estilo. 2) Textura e Instrumentación – Texturas musicales: aplicación de monodia, homofonía, polifonía y mixturas, tanto en formato vocal como instrumental. – Organización del material sonoro: a) Disposición de las voces e instrumentos dentro del ensamble. b) Superposición y combinación de líneas melódicas, armónicas y rítmicas. c) Diseño de arreglos según el estilo y formato del grupo (trío, cuarteto, big band, combo, etc.). – Instrumentación estilística: elección de timbres y recursos técnicos propios de cada género (efectos, técnicas extendidas, recursos del instrumento). 3) Forma Musical – Reconocimiento y aplicación de esquemas formales comunes en la música popular: binario, ternario, forma canción (AABA), rondó, entre otros. – Funciones estructurales dentro de una obra: introducción, estrofa, estribillo, puente, interludio, solo, coda. – Contrastes formales: a) Cambios de textura, tempo, tonalidad o modo entre secciones. b) Transiciones efectivas entre partes estructurales. 4) Improvisación – Improvisación melódica: creación en tiempo real sobre progresiones armónicas, con uso de escalas, modos, arpegios y recursos melódicos propios del estilo. – Trabajo temático: a) Desarrollo de ideas musicales breves a lo largo de una improvisación. b) Uso de adornos melódicos (appoggiaturas, mordentes, glissandos, bends, etc.). c) Integración de la improvisación en el discurso del grupo. 5) Interpretación y Ensamble – Dominio de aspectos interpretativos: fraseo, dinámica, articulación, matices, control de la afinación. – Trabajo en grupo: a) Coordinación rítmica precisa. b) Control del tempo y de las transiciones. c) Equilibrio sonoro entre secciones e instrumentos. d) Ajuste de timbres y planos según el rol de cada integrante. – Comunicación musical: a) Desarrollo de la escucha activa y la interacción en tiempo real. b) Expresividad colectiva y liderazgo compartido en la interpretación. Música de cámara 1) Coordinación Conjunta – Sincronización precisa en ataques y cortes. – Cohesión en el ritmo interno del grupo, respetando subdivisiones y pulsación compartida. – Unificación del fraseo musical, considerando articulación, agógica e intención expresiva común. – Coordinación en la respiración conjunta, especialmente en repertorio que lo requiera, como música vocalizada o de fraseo largo. 2) Audición Musical Camerística – Desarrollo de la escucha activa y crítica para: a) Establecer y mantener planos sonoros jerárquicos según el rol de cada instrumento. b) Lograr un equilibrio tímbrico y dinámico acorde con la instrumentación del ensamble. c) Ajustar el tempo general en función del carácter, estilo y consenso interpretativo. d) Identificar y respetar las jerarquías del material musical (temas, acompañamientos, transiciones, etc.). e) Construir una interpretación coherente desde el carácter general de la obra. 3) Análisis Musical Aplicado – Lectura comprensiva del texto musical orientada a la interpretación. – Análisis formal, armónico y temático, con énfasis en: a) Estructura y formas musicales. b) Relaciones tonales y modulaciones. c) Identificación de motivos conductores y sus transformaciones. d) Detección de planos tímbricos y texturales relevantes para la obra. e) Contextualización histórica y estética del repertorio interpretado. 4) Estilística e Interpretación Histórica. – Interpretación informada según las convenciones estilísticas de cada período (Barroco, Clasicismo, Romanticismo, Siglo XX y XXI). – Uso adecuado de articulación, ornamentación, dinámicas y agógica según el lenguaje de cada época. – Incorporación del repertorio camerístico actual, incluyendo técnicas extendidas y nuevas notaciones cuando corresponda. – Inclusión y diversidad en la elección del repertorio – Estudio y ejecución de obras de mujeres compositoras de diferentes períodos y estilos. – Exploración del repertorio desde una perspectiva inclusiva y representativa, promoviendo una visión más completa de la música de cámara. 5) Técnicas de Ensayo – Metodologías para el ensayo eficiente y colaborativo: a) Organización del tiempo de ensayo individual y grupal. b) Técnicas de lectura colectiva y mejora progresiva del conjunto. c) Toma de decisiones interpretativas en grupo, fundamentadas en criterios musicales y democráticos. d) Desarrollo de habilidades de comunicación, liderazgo y escucha dentro del ensamble. |
Metodología
| El espacio académico de las Prácticas Profesionalizantes integra los procesos formativos de las asignaturas de Improvisación Musical, Música Popular y Música de Cámara, cada una con una carga horaria de 2 horas cátedra semanales. Bajo una perspectiva colaborativa y dialógica, cada materia está a cargo de un equipo docente que guía y acompaña a los estudiantes en la producción musical integral de proyectos grupales. El enfoque metodológico es de taller, priorizando el aprendizaje a través de la práctica, la reflexión crítica y la participación activa de los estudiantes como protagonistas de su formación. A través de la organización en pequeños grupos, se propone la elaboración y ejecución de proyectos musicales diseñados y desarrollados íntegramente por los alumnos, bajo la supervisión pedagógica de los docentes. Cada proyecto incluye instancias de creación, arreglo, ensayo, improvisación, interpretación, grabación y/o presentación pública, integrando los saberes específicos de cada asignatura. Se contempla también la interacción con otras disciplinas (como Composición) y el abordaje de distintos géneros y formatos, favoreciendo una experiencia diversa, rica y contextualizada. El trabajo grupal considera los intereses, trayectorias, instrumentos principales y posibilidades de cada estudiante, promoviendo la construcción colectiva del conocimiento, la toma de decisiones compartida y el desarrollo de habilidades vinculadas al desempeño profesional. Dinámica del trabajo: Formación de equipos de producción musical de 2 a 6 integrantes, definidos en acuerdo entre docentes y estudiantes. Diseño, planificación y ejecución de proyectos musicales anuales, con momentos de presentación, evaluación y devolución. Realización e interpretación de obras, arreglos, composiciones o improvisaciones en función de los estilos abordados. Ensayos regulares, estudio individual de partes y sesiones de trabajo técnico y expresivo. Instancias de muestra interna (audiciones, presentaciones en clase) y externa (presentaciones públicas o grabaciones). Seguimiento docente a través de observación, intervención con consignas orientadoras, análisis colectivo y retroalimentación constante. Criterios de trabajo: Integración de teoría y práctica. Trabajo autónomo guiado por el docente. Articulación entre las tres asignaturas involucradas. Aplicación de los objetivos específicos de cada materia y de los objetivos generales de las prácticas profesionalizantes, orientados a la formación artística, técnica y profesional del estudiante. Esta metodología busca reproducir, en un entorno formativo, las condiciones reales del trabajo musical profesional, fomentando el desarrollo de competencias creativas, comunicativas, organizativas y reflexivas necesarias para el desempeño en el campo artístico actual. |
Evaluación
| Para aprobar el Espacio de Prácticas Profesionalizantes, los estudiantes deberán cumplir con los siguientes requisitos: Ser alumno regular, con asistencia y participación activa en las actividades propuestas. Participar en la planificación, ejecución y evaluación de proyectos colectivos e individuales, integrando los saberes adquiridos en las distintas áreas. Presentar y defender los proyectos en las instancias de evaluación, demostrando la apropiación de contenidos, habilidades técnicas y actitudes profesionales. Participar en las actividades de gestión, difusión y vinculación con la comunidad, promoviendo la inclusión y el respeto por la diversidad. Cumplir con los criterios de evaluación establecidos en cada asignatura que integra el espacio, que consideran tanto el proceso como el producto final, así como la participación y el compromiso. La evaluación será formativa, individual de cada asignatura y promediable del espacio, considerando aspectos como la creatividad, la innovación, la capacidad de trabajo en equipo, la responsabilidad, la autonomía y la calidad artística de las producciones. La acreditación se otorgará a aquellos estudiantes que hayan cumplido con los requisitos académicos y hayan demostrado un compromiso ético y profesional en su desempeño. Criterios específicos de Evaluación dentro de cada asignatura Para Improvisación: Tiene capacidad para improvisar con recursos básicos y en diferentes estilos musicales. Utiliza adecuadamente escalas y recursos melódicos en sus improvisaciones. Participa activamente en prácticas grupales y audiciones. Demuestra creatividad y originalidad en sus improvisaciones. Para Música Popular: Participa activamente en la planificación y ejecución de proyectos. Demuestra calidad técnica y artística en las interpretaciones y arreglos. Trabaja en equipo y gestiona proyectos culturales de manera efectiva. Muestra innovación y creatividad en las propuestas musicales. Para Música de Cámara: Ejecuta las piezas con técnica adecuada, demostrando dominio y precisión. Colabora efectivamente con el grupo, aportando ideas y respetando las decisiones colectivas. Escucha atentamente las interpretaciones y realiza análisis críticos de las obras. Toma decisiones autónomas para mejorar la interpretación y la organización del trabajo. Demuestra capacidad de vincular conocimientos musicales con otras áreas o disciplinas. |
Bibliografía
| Aguerre, Andrea. Proyecto académico y de gestión 2022–2026. Bachillerato de Bellas Artes, UNLP. Attaguile, Norberto; Bantar, Gabriela; Bertone, Florencia; Gulielmino, Carola; Loudet, Pablo. Proyecto de gestión del Departamento de Música. Bachillerato de Bellas Artes, UNLP, 2016. Bachillerato de Bellas Artes “Francisco A. De Santo”. Certificación de formación específica para estudiantes del Bachillerato de Bellas Artes: Promotor/a artístico cultural. Bachillerato de Bellas Artes, UNLP, 2023. Bachillerato de Bellas Artes “Francisco A. De Santo”. Plan de estudios año 2012. Carrera: Educación Secundaria de Modalidad Artística Especializada. Bachillerato de Bellas Artes, UNLP, 2012. Instituto Nacional de Educación Tecnológica. Ley de Educación Técnico Profesional 26058. https://www.inet.edu.ar/wp-content/uploads/2012/10/ley-26058.pdf UNIR – La Universidad en Internet. Qué es el gestor cultural: empleo, salario y funciones. 2024. https://mexico.unir.net/noticias/humanidades/gestor-cultural/#:~:text=Funciones%20del%20gestor%20cultural,Estudio%20y%20an%C3%A1lisis%20de%20audiencias Bibliografía específica Improvisación Bailey, Derek. La improvisación, su naturaleza y práctica en la música. Ed. Trea, 2012. Coker, Jerry. Complete Method for Improvisation. Alfred Music Pub., USA, 1997. Coker, Jerry. Improvisando en Jazz. Edit. Víctor Lerú, Bs. As., 1978. Coker, Jerry. Patterns for Jazz. Alfred Music Pub., USA, 1982. Marohnic, Chuck. How to Create Jazz Chords Progressions. Alfred Music Pub., USA, 1975. Matthews, Wade. Improvisando, la libre creación musical. Turner Música, 2012. Nachmanovitch, Stephen. Free Play. Edit. Paidós, Bs. As., 2008. Nelson, Oliver. Patterns for Improvisation. Noslen Music Co., USA, 1996. Real Book Vol. 1. Autor desconocido, circulación privada. Real Book Vol. 2. Autor desconocido, circulación privada. Real Book Vol. 3. Autor desconocido, circulación privada. The New Real Book Vol. 1. Autor desconocido, Sher Music, USA, 1988. The New Real Book Vol. 2. Autor desconocido, Sher Music, USA, 1988. The New Real Book Vol. 3. Autor desconocido, Sher Music, USA, 1988. Música Popular Herrera, Enric. Técnicas de arreglo para la orquesta moderna. 2009. Pérez, Sebastián. Abordaje de arreglos en música popular. 2018. Schuller, Gunther. El jazz, sus raíces y desarrollo. 1973. Vogel, Adrián. Rock N Roll: El ritmo que cambió el mundo. 2018. El libro real del tango. Folkloreishon. Real Book 1, 2 y 3. Música de Cámara Cage, John. Silencio. Trad. Marina Pedraza. Ediciones Ardora, Madrid, 2005. Opazo Marinkovic, María José. Hacia una interpretación de la notación de la música contemporánea. Tesis para optar al grado de Magíster en Artes. Universidad de Chile, Facultad de Arte, Escuela de Posgrado. |